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Pollock

Por Andrea Romera Del Collado 18 dic, 2017

Jackson Pollockha pasado a la posteridad como el padre del chorreo o dripping, catalogado como "El mejor pintor que Estados Unidos había tenido jamás". Fue una persona de gran éxito a la par que oscuro debido a sus cambios de humor y dependencias. Debido a su temperamento fue expulsado de varios estudios que cursaba hasta que se vio obligado a ir a Nueva York con su hermano donde terminaría por formarse por Hart Benton.

“Es sólo cuando pierdo contacto con la pintura cuando el resultado es un desastre. De lo contrario es armonía pura, un sencillo dar y recibir, y la pintura resulta bien”.

También a lo largo de su vida sufrió una terrible condición económica que terminó con su ascenso a la fama de la mano de Peggy Guggenheim.

Pollockempezó a estudiar con el pintor Thomas Hart Benton, pero no desarrolló su estilo hasta que tomó clases experimentales de pintura con el famoso muralista mexicano David Alfaro Siqueiros, quien le enseñaría a utilizar diversos tipos de pintura acrílicas que le facilitarían su obra futura.

Entre sus influencias, está el automatismo surrealista, el cual buscaba crear a partir de actos “no coherentes”, el muralismo mexicano–por lo dicho líneas arriba–, y la obra de la artista ucraniano-americana Janet Sobel.

El ascenso a la fama de Pollockse detonó gracias a cuatro personajes clave en su vida: el artista Marcel Duchamp ,  la art dealer   Peggy Guggenheim, el crítico Clement Greenbergy su esposa Lee Krasner. Tras las vanguardias, la exploración de la pintura llegó a su punto máximo: ya existía la abstracción en todas sus variantes, ya no se necesitaba representar más con la pintura en acción.

Esta técnica que usaba para pintar, consistía en a través de palos o pinceles endurecidos hacia que la pintura chorreara sobre ellos, así representaba el movimiento que él creaba sobre el lienzo, lo que daba gestualidad y corporeidad a su pintura.

A esta técnica la bautizó como action painting, ya que al hacerse en el momento y usar el cuerpo era performance además de un cuadro en sí, rompió las convenciones pictóricas al pintar sobre el suelo, teniendo total libertad de movimiento.

Aunque de la sensación que hiciera todo al azar, realmente estaba todo totalmente planificado. Pollock murió con 44 años en un accidente de tráfico debido a que conducía ebrio. Tras su muerte fue conmemorado en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.



Por Andrea Romera Del Collado 18 dic, 2017
International Klein Blue es una tonalidad profunda de azul concebida y registrada por  Yves Klein  (1928-1962). El impacto visual del IKB se debe a su fuerte relación con el azul ultramar , así como a los espesores y texturas de esta pintura que Klein solía aplicar sobre sus lienzos .
Por Andrea Romera Del Collado 23 ago, 2017

El dibujo

17 may 2017

 

He creado este blog para tener una noción básica y consejos sobre técnicas artísticas y restauración.
Para poder entender la restauración, hay que empezar por la base de toda técnica artística que es el dibujo, ya que tanto para pintar un cuadro, como diseñar un mueble o realizar una escultura si no se tiene una base de dibujo difícilmente se podrá llegar a nada. Para ello, voy a explicar una noc ión muy básica que muchas veces se pasa por alto,que es, como un pigmento se adhiere a una superficie o base, por lo que la base ha de tener cierta rugosidad. Dibujar con un lápiz, carboncillo o conté se basa en este hecho , y según el grado de aspereza del papel se adhiere en mayor o menos medida, ya que estas fibras actúan como una lima, arrancando partículas de pigmento y reteniendolas en sus intersticios. Los lápices corrientes poseen cierto grado de grafito y arcilla y cuanto más blando menos arcilla. El grafito es una forma de carbono, que se presenta en placas o copos que resultan grasientos al tacto.
La presión del trazo, no solo fuerza las partículas en los intersticios del papel, sino que crea un brillo al adoptar una posición plana, paralela a la superficie, de manera similar a la cera pulida. La punta metálica tiene las mismas propiedades por ello los antiguos dibujaban con varillas metálicas, hasta el siglo XVIII que comienza a usarse los lápices más rudimentarios que se conocen, y en el siglo XIX donde apareció el lápiz que hoy conocemos.

 
 
 

Por Andrea Romera Del Collado 23 ago, 2017


17 may 2017

Para realizar la correcta Restauración de una obra de arte, ha de seguirse los criterios de diferentes pensadores, como fue el caso de Pietro Edwards por ejemplo que ejerció como restaurador en pinturas públicas de 1778-1821. Lo que le llevó a desarrollar un programa para la Conservación, como organiza un taller de restauración, realizando un estudio previo y un diagnóstico con la realización de un informe.

 

En el siglo XIX Eugène E. Viollet-Le-Duc propondrá una restauración estilística, la cual es la que se lleva a cabo en restauración a particulares en la actualidad, ya que defiende que si hay faltantes de materia, debe realizarse una reintegración volumétrica para otorgar a la pieza un aspecto igual o más bello que cuando se hizo en origen. Siempre, eso si, documentando la intervención, y realizándolo un equipo de restauradores formados.

 

Del mismo siglo pero contrario a Le-Duc es Ruskin, que defiende más una Conservación para mantener lo existente sin alterar ni modificar nada.

 

Y ya en el siglo XX Alois Riegl, jurista, filósofo e historiador defiende la restauración desde una perspectiva de filósofo e historiador, la idea de monumento como culto de masas. Defiende el valor de la antigüedad y por tanto su Conservación. El valor histórico, monumento como testigo de aspectos históricos a estudiar, defiende su Restauración para evitar su destrucción. Y por último el valor rememorativo intencionado; la estimación del monumento u obra de arte creado con la idea de perdurar en el paso del tiempo, por lo que tendrá una Restauración drástica y una Conservación constante para que se mantenga como valor rememorativo intencionado.

Finalmente con las Cartas de Atenas de 1931, que fue la primera que sentó las bases de Restauración, junto con otras muchas que vinieron más tarde, podemos decir que el conjunto de todo ello es lo que nos asienta hoy en día las bases para una correcta restauración, respetando la pátina original que es lo que otorga categoría a la pieza, usando materiales similares a los originales para seguir una correcta Restauración y realizando su posterior Conservación para que perdure en el tiempo el mayor número de años posible.

 

La Conservación  implica evitar el deterioro de una pieza u obra de arte y por tanto intervenirla. El concepto se fija en 1972. Siendo el conjunto de actuaciones dirigidas a prolongar la vida y función de un objeto u obra de arte .

 

 

 

La Conservación por tanto implica;

 

  • Preservación (mantener, detener el deterioro)
  • Restauración (afianzamiento de la estructura y la policromía).

 

Hoy en día el término de Restauración se va eliminando a favor de Intervención o Conservación curativa.

 

 

 

Motivos de Restauración:

 

  • Restitución de la Funcionalidad perdida.
  • Motivos Religiosos.
  • Cambios de Gusto.
  • Preocupación por devolver al objeto su integridad.
  • Reutilización con una función diferente.

 

 

 

 

 

 

 

En la Antigua Grecia tienen ya una tendencia a la Prevención. Buscarán nuevas técnicas e intentarán establecer el aspecto original. Tienen el concepto de Coleccionismo, eligen piezas con interés por conservarlas. Pausanias cuenta que para evitar el deterioro de los escudos se empechaban, o el uso de vasijas en los templos llenas de aceite para evitar que la pieza se seque.

 

En Egipto, también se realizan buenas técnicas. No tienen grandes tablones ya que los unían por la técnica de "pastonaje". Para la policromía utilizaban el yeso. Así como el Temple y la encáustica como se aprecian en las tablas de Fayum.

 

 

 

En Roma se produce una fascinación del mundo griego, por lo que mantienen la Preservación y Conservación con importantes técnicas de Restauración, como por ejemplo es el Stacco a masello  (arrancar y trasladar el muro).

 

 

 

Durante la Edad Media, se produce un cambio, ya que el artista pierde interés. Hasta el Renacimiento que se produce una revitalización cultural, con lo que la Restauración y Conservación del Patrimonio vuelve a resurgir tras el periodo de sombra que yacía.

 

En el siglo XVI aparece el Studiolo donde se guardan obras de arte.

 

 

 

En el siglo XVII aparecen grandes colecciones asociadas a grandes familias y monarquías, por lo que se realizan inventarios y numerosos tratamientos y tratados de Conservación y Restauración.

 

 

 

En el siglo XVIII aparecen los primeros esbozos de la fundación de la Restauración como actividad dotada de un soporte crítico y técnico, resultado de la razón ilustrada. Los descubrimientos arqueológicos de Pompeya 1748 y Herculano 1738, hacen que se cree un gran interés por la restauración por parte de anticuarios y arqueólogos.

 

En 1734 se produce el incendio del Alcázar Real de Madrid, por lo que se realiza un inventario de lo que se salvó, siguiendo las normas de la RANC, para la correcta restauración de las obras.

 

 

  CONSERVAR es el conjunto de acciones dirigidas a prolongar la vida y función de lo creado; es mantener perceptibles los caracteres que definen cada bien cultural.

Esto se logra a través de la PRESERVACIÓN o PREVENCIÓN y la RESTAURACIÓN que se complementan. La Restauración se justifica cuando la prevención ha sido ineficaz.

 

Criterios de Prevención:

  • PREVENCIÓN es evitar que la obra sea afectada por factores ambientales ocasionales o ajenos a su propia constitución. Por ello las Medidas Preventivas se aplican al medio en que se encuentre la obra, son medidas indirectas que nunca van dirigidas a la propia obra;
    • Dotar a la obra de un medio ambiente acorde a las exigencias de permanencia y durabilidad de la obra.
    • Defender si entraña peligro su uso indiscriminado mediante; Restricción del usufructo, obtención de la oportuna réplica que satisfaga el estudio y contemplación, sin ser un Falso Histórico.

 

Criterios de Restauración:

 

RESTAURAR es devolver a la obra su forma y función, tiene como fin recuperar la integridad física y funcional de la obra gracias a la corrección de las alteraciones que ésta haya sufrido.

Los medios curativos van directamente aplicados a la obra, por tanto se tiene que respetar la obra y su historia, esto se consigue mediante un planteamiento analítico y la aplicación de unos medios y procedimientos.

  • Planteamiento analítico: reconocimiento y valoración de la integridad tota de la obra y diagnóstico del estado de conservación.
  • Aplicación de los medios y procedimientos:
    • Renunciar a aquellos tratamientos que excedan nuestras posibilidades técnicas.
    • Abstención de manipular la obra de tal manera que la modifique.
    • Respeto a intervenciones anteriores que haya podido sufrir la obra.
    • Estabilización y consolidación de los elementos deteriorados, eliminando la tentación de sustituirlos por otros.
    • Eliminación de agentes que enmascaren la obra de arte, impidiendo su lectura real.
    • Reposición de elementos que se encuentren separados físicamente de la obra y es evidente su pertenencia y ubicación en el conjunto.
    • Reconstrucción o reintegración de los elementos perdidos pero perfectamente identificables.
    • Reintegración de elementos perdidos no identificables siguiendo escrupulosamente la técnica adecuada y las características específicas que deben cumplir los métodos y materiales de restauración.
    • Documentar exhaustivamente la acción restauradora, mediante un expediente detallado.
    • T odo tratamiento de Restauración, en cualquiera de sus aspectos, debe hacer uso de medios y procedimientos cuya inocuidad y reversibilidad estén suficientemente probados.

 

Pollock

Por Andrea Romera Del Collado 18 dic, 2017

Jackson Pollockha pasado a la posteridad como el padre del chorreo o dripping, catalogado como "El mejor pintor que Estados Unidos había tenido jamás". Fue una persona de gran éxito a la par que oscuro debido a sus cambios de humor y dependencias. Debido a su temperamento fue expulsado de varios estudios que cursaba hasta que se vio obligado a ir a Nueva York con su hermano donde terminaría por formarse por Hart Benton.

“Es sólo cuando pierdo contacto con la pintura cuando el resultado es un desastre. De lo contrario es armonía pura, un sencillo dar y recibir, y la pintura resulta bien”.

También a lo largo de su vida sufrió una terrible condición económica que terminó con su ascenso a la fama de la mano de Peggy Guggenheim.

Pollockempezó a estudiar con el pintor Thomas Hart Benton, pero no desarrolló su estilo hasta que tomó clases experimentales de pintura con el famoso muralista mexicano David Alfaro Siqueiros, quien le enseñaría a utilizar diversos tipos de pintura acrílicas que le facilitarían su obra futura.

Entre sus influencias, está el automatismo surrealista, el cual buscaba crear a partir de actos “no coherentes”, el muralismo mexicano–por lo dicho líneas arriba–, y la obra de la artista ucraniano-americana Janet Sobel.

El ascenso a la fama de Pollockse detonó gracias a cuatro personajes clave en su vida: el artista Marcel Duchamp ,  la art dealer   Peggy Guggenheim, el crítico Clement Greenbergy su esposa Lee Krasner. Tras las vanguardias, la exploración de la pintura llegó a su punto máximo: ya existía la abstracción en todas sus variantes, ya no se necesitaba representar más con la pintura en acción.

Esta técnica que usaba para pintar, consistía en a través de palos o pinceles endurecidos hacia que la pintura chorreara sobre ellos, así representaba el movimiento que él creaba sobre el lienzo, lo que daba gestualidad y corporeidad a su pintura.

A esta técnica la bautizó como action painting, ya que al hacerse en el momento y usar el cuerpo era performance además de un cuadro en sí, rompió las convenciones pictóricas al pintar sobre el suelo, teniendo total libertad de movimiento.

Aunque de la sensación que hiciera todo al azar, realmente estaba todo totalmente planificado. Pollock murió con 44 años en un accidente de tráfico debido a que conducía ebrio. Tras su muerte fue conmemorado en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.



Por Andrea Romera Del Collado 18 dic, 2017
International Klein Blue es una tonalidad profunda de azul concebida y registrada por  Yves Klein  (1928-1962). El impacto visual del IKB se debe a su fuerte relación con el azul ultramar , así como a los espesores y texturas de esta pintura que Klein solía aplicar sobre sus lienzos .
Por Andrea Romera Del Collado 23 ago, 2017

El dibujo

17 may 2017

 

He creado este blog para tener una noción básica y consejos sobre técnicas artísticas y restauración.
Para poder entender la restauración, hay que empezar por la base de toda técnica artística que es el dibujo, ya que tanto para pintar un cuadro, como diseñar un mueble o realizar una escultura si no se tiene una base de dibujo difícilmente se podrá llegar a nada. Para ello, voy a explicar una noc ión muy básica que muchas veces se pasa por alto,que es, como un pigmento se adhiere a una superficie o base, por lo que la base ha de tener cierta rugosidad. Dibujar con un lápiz, carboncillo o conté se basa en este hecho , y según el grado de aspereza del papel se adhiere en mayor o menos medida, ya que estas fibras actúan como una lima, arrancando partículas de pigmento y reteniendolas en sus intersticios. Los lápices corrientes poseen cierto grado de grafito y arcilla y cuanto más blando menos arcilla. El grafito es una forma de carbono, que se presenta en placas o copos que resultan grasientos al tacto.
La presión del trazo, no solo fuerza las partículas en los intersticios del papel, sino que crea un brillo al adoptar una posición plana, paralela a la superficie, de manera similar a la cera pulida. La punta metálica tiene las mismas propiedades por ello los antiguos dibujaban con varillas metálicas, hasta el siglo XVIII que comienza a usarse los lápices más rudimentarios que se conocen, y en el siglo XIX donde apareció el lápiz que hoy conocemos.

 
 
 

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